Breve introduzione al Simbolismo

Il movimento simbolista riceve un nome ed uno stato civile grazie alla penna di Jean Moréas il 18 settembre del 1886, e si dilegua tra le convulsioni della prima guerra mondiale. 

Con la Rivoluzione Industriale, la società ha bisogno di molte braccia e porta milioni di persone a spostarsi verso le città: quello più colpito da queste trasformazioni è l'universo cattolico, infatti la rappresentazione tradizionale e simbolica si scontra con una fondata su valori radicalmente diversi. 

Il concetto di demoniaco nasce quando il concetto di modernità 

entra in contatto con il cattolicesimo (Walter Benjamin)

Si tratta di una vera e propria "deriva dei continenti": il retaggio cattolico dell'Europa, ovvero la tendenza alla stabilità, si scontra con un continente partito alla deriva, ovvero la brusca metamorfosi della vita pratica indotto dalla rivoluzione industriale. Niente sarebbe cambiato se tutte quelle persone fossero restate nelle loro campagne e nel mondo in cui erano nati e cresciuti. Realtà e sogno sono scesi in guerra.

Ne Il grande sconvolgimento (Henry de Groux, 1893) è visibile, in primo piano, un crocifisso spezzato: è uno sconvolgimento spirituale, tutta una società si congeda da un terreno familiare e amato e prende la strada dell'esilio. Questo è il fulcro dello spirito simbolista ed il crocifisso è un simbolo ambiguo ma essenziale: si riconosce l'esistenza di una pluralità di livelli (creato vs increato, reale vs surreale); il positivismo ammette invece una sola realtà.

Il pensiero positivista ha grande peso sulla società e gli artisti, che si sentono testimoni dell'esistenza di un altro mondo, quello del sogno, ne restano affascinati e al tempo stesso depressi. Se il mondo industriale si incarna nel ferro e nel fuoco, i simbolisti si rifugiano in aria e acqua, in ogni caso il simbolismo è dominato dall'assenza, il simbolo si riferisce sempre alla realtà assente e si sforza di rendere tangibile qualcosa di sconosciuto.

Le sue radici sono da ritrovarsi nel romanticismo letterario di Novalis e Victor Hugo, la differenza tra romanticismo e simbolismo però, sta nel diverso approccio con la natura: nel primo caso essa è vista come linguaggio stesso di Dio, nel secondo caso invece essa viene adoperata come sistema per scovare qualcosa di insolito che presti un volto, seppur minaccioso, al sogno più profondo. Non si tratta del sogno individuale, dell'artista, bensì del sogno della società intera e della cultura. Sarà proprio questo idealismo forsennato che porterà al rifiuto del movimento simbolista.

Il colosso (Francisco Goya, 1802-1812)

Possente metafora del panico suscitato da eventi 

che superano ogni possibile comprensione umana

R.M.

Arte contemporanea for dummies

Aldo Giovanni e Giacomo al Museo di Arte Contemporanea (da Anplagghed)

Come riassumere la percezione dell'arte tra la gente comune: un isterico critico d'arte molto erudito e due poveri comuni spettatori, che della materia sanno ben poco. Questo sketch dà voce sia alla cultura e alla profonda conoscenza dei movimenti artistici, sia ai luoghi comuni sui tagli nelle tele e sul riuso di normali oggetti quotidiani. 

La cosa molto importante, però, è che fa pensare: offre spunti di meditazione riguardo a quello che noi possiamo pensare o meno dell'arte moderna, e lo fa facendoci ridere. Quale modo migliore del piacere per stimolare una riflessione su noi stessi e su ciò che ci circonda?

R.M.

Salvador Dalì è nato due volte ...

«Tutte le mie eccentricità, tutte le dimostrazioni d’incoerenza sono la tragica costante della mia vita. Voglio provare a me stesso che non sono il fratello morto ma quello vivo. Come nel mito di Castore e Polluce, uccidendo mio fratello ho conquistato l’immortalità»

The secret life of Salvador Dalí, Vision Press, Londra 1948, p. 4. Cit in M. Etherington-Smith, Dalí, vita e opere, eccentricità e scandali, segreti e ossessioni (1992), tr. it. I. Landolfi, Garzanti, Milano, 1994, p. 24.

R.M.

Personnes - Christian Boltanski

Ieri, con la dispersione dell'opera, si è definitivamente conclusa Personnes, l'esposizione di Christian Boltanski all'Hangar Bicocca di Milano. Inizialmente doveva terminare il 19 settembre, ma è stata prolungata per via della grande affluenza.

Per comprendere questa installazione, però, credo sia necessario fare una piccola presentazione dell'artista. Christian Boltanski è un artista contemporaneo francese, nato nel 1944 e tutt'oggi vivente. I temi che ricorrono maggiormente nelle sue opere sono l'infanzia, l'inconscio, la morte, l'assenza, la perdita e la memoria, quest'ultimo tema probabilmente è dovuto anche fatto che il padre era ebreo e quindi in lui è molto forte il ricordo della Shoah. Le opere di Boltanski sono perlopiù installazioni che vedono l'utilizzo di foto, film, video e collage in generale: spesso adopera oggetti che in realtà non ha mai posseduto, in modo da ricostruire la propria storia personale attraverso la storia di tutti. 

Ora possiamo finalmente entrare alla mostra. All'ingresso c'è l'unico pannello che introduce brevemente quello che si andrà a vedere, non parla però di nulla di quello che ho scritto poco fa, quindi si tratta a mio parere di una cosa abbastanza banale e poco utile se una persona non si è documentata prima. 

Appena entrati ci si immerge in un ambiente molto buio, è un lungo corridoio con uno strano sottofondo musicale: la registrazione dei cuori di tutti i visitatori delle mostre precedenti (il progetto di Boltanski è quello di archiviare l'umanità attraverso Les archives du cœur - L'archivio dei cuori). Sulla sinistra di questo corridoio, inoltre, scorrono dei video muti che ritraggono alcune persone occupate nei più diversi lavori manuali; la percezione che ho avuto in quel momento è stata quella di abbinare il battito del cuore a quelle persone ed è stato come sentirle più vicine, forse l'artista voleva proprio questo effetto, o forse voleva solo costruire una specie di memoria collettiva come quella di cui si parlava nell'introduzione, non lo so. 
Poco più avanti il corridoio si allarga e diventa più luminoso, il battito dei cuori si fa più forte e si può vedere una strana installazione: delle torri fatte con vari materiali come vetro, cartone ed altre cose sicuramente riciclate o recuperate, danno l'idea di trovarsi in una specie di città fantasma, idea accentuata anche dal fatto che il battito dei cuori è più forte e quindi sembra invadere gli spazi vuoti.
L'ultimo ambiente è quello forse più caratteristico e denso di significati. Una montagna di vestiti usati simboleggia l'assenza, poichè mancano proprio fisicamente le persone che li hanno indossati; questi vestiti vengono poi spostati in modo casuale da una gru, riconducibile al caso (o alla mano di Dio) che domina la vita delle persone e decide come spostarle, dove e in che modo. Il significato di questa sezione però è ulteriormente accresciuto negli ultimi due giorni: sabato e domenica, infatti, era possibile partecipare alla dispersione dell'opera portando via alcuni vestiti dal mucchio. In questo modo è come se i vestiti prendessero nuova vita, e allo stesso tempo la mostra può dirsi eco-sostenibile dal momento in cui per gran parte si è dispersa in modo autonomo e senza spreco di materiali.

Si tratta quindi di un'esposizione molto particolare, mi è piaciuto soprattutto il lato interattivo della cosa, non solo per il fatto dei vestiti, ma anche perchè per tutto il periodo di apertura della mostra era possibile registrare il battito del proprio cuore ed arricchire ulteriormente l'archivio dei cuori. Inoltre per essere una mostra di arte contemporanea, una volta preso atto di quei due o tre concetti base che sono le linee conduttrici dell'arte di Boltanski, secondo me era molto semplice da comprendere.

R.M.

Salvador Dalì. Il sogno si avvicina

Mercoledì pomeriggio ha avuto inizio questa grande esposizione e io, da buona ammiratrice di Dalì, mi ci sono fiondata al volo :)  Prima di esprimere il mio giudizio personale però vorrei fare una piccola premessa introduttiva per chi non ci è ancora stato.

Il percorso della mostra prevede quattro aree tematiche, che si sviluppano lungo sette stanze:

1. Paesaggi storici: guardare dietro di sé e intorno a sé. Le opere di questa sezione hanno tutte a che fare con il passato dell'artista

- Stanza della memoria (Venere di Milo con cassetti)

- Stanza del male (Melanconia atomica)

2. Paesaggi autobiografici: guardare dentro di sé. In questa sezione ci sono le opere più surrealiste e si approfondisce il tema dell'inconscio.

- Stanza dell'immaginario (Ricerca della quarta dimensione)

- Stanza dei desideri (Stanza di Mae West)

3. Paesaggi dell'assenza: guardare oltre di sé. Qui la persona umana scompare gradualmente per lasciare spazio solamente al paesaggio.

- Stanza del silenzio (Cammino dell'enigma)

- Stanza del vuoto (Il rapimento di Europa)

4. Epilogo. Si tratta della stanza conclusiva, dedicata al rapporto dell'artista con Walt Disney.

L'ingresso è già di per sè molto particolare: si oltrepassa un tendone scuro e si entra in un corridoio molto buio, l'unica cosa illuminata è la parete laterale su cui sono riportati due interessanti brani ad introduzione della mostra.

Dopodichè si procede nelle due stanze successive. Qui il gioco di luce dell'ingresso prosegue, la luce è infatti concentrata solo sulle opere esposte e questa scelta stilistica secondo me è davvero bellissima, perchè in questo modo chi cammina tra le opere esposte riesce realmente ad isolare se stesso, concentrandosi soltanto sulle opere e su ciò che lo circonda (notare per l'appunto il titolo dell'area tematica: guardare intorno a sè).  

Con il subentrare del secondo tema cambia anche l'illuminazione, che nelle stanze successive diventerà rosso acceso, azzurro o bianco, anche in relazione ai temi trattati.

Le luci non sono però il solo elemento degno di nota, va infatti detto che lungo tutto il percorso espositivo sono presenti moltissimi pannelli esplicativi, sia dell'area tematica, sia della stanza in particolare, sia delle opere più particolari. Non mancano nemmeno i video con le interviste all'artista, tutti elementi secondo me importantissimi.

Gli elementi più importanti della mostra però, quelli che le danno un tocco di originalità e che le permettono di non scadere nel banale, non sono tanto i dipinti (pur essendo naturalmente di altissimo livello), bensì la ricostruzione della Stanza di Mae West ed il filmato inedito di Walt Disney.

Per quanto riguarda la Stanza di Mae West le cose da dire si restringono solo ad un puro e semplice: andate a vederla. Si tratta di qualcosa di veramente unico nel suo genere, per la prima volta vengono usati un proiettore ed uno schermo al posto dell'usuale gioco di specchi: così facendo ci si avvicina molto di più all'idea originale di Dalì e si percepisce ancora di più quanto questo artista abbia anticipato di decenni l'arte pop.

L'ultima stanza è dedicata a Destino, cortometraggio realizzato in collaborazione tra Dalì e Walt Disney, ultimato solo nel 2003. Guardando questa breve animazione si percepisce la mano di Dalì in ogni minimo dettaglio ed è anch'esso molto interessante. Nella stanza sono poi presenti alcuni disegni eccezionalmente esposti grazie alla collaborazione della Walt Disney Company.

I giochi di luce, l'ampia documentazione audio-visiva e il prezioso contributo di alcune opere eccezionalmente esposte, rendono quindi questa mostra assolutamente degna del nostro tempo. Vorrei però fare un'ulteriore precisazione, Dalì è un autore notoriamente complesso e molto particolare, quindi non ci si deve aspettare di comprendere tutto ciò che si vede. Molte opere e molti dipinti appariranno oscuri ai vostri occhi, così come in parte lo è stato per me, però a mio parere una mostra del genere va vista, anche a costo di apprezzarne solo il lato più superficiale. Dico questo in primo luogo perchè si tratta di una delle poche manifestazioni artistiche a cui sono stata che ritengo essere stata curata molto bene, in secondo luogo perchè una pittura a livello di quella di Dalì è davvero difficile da trovare, la cura dei dettagli, i colori, i contrasti, sono qualcosa di unico ed irripetibile che i libri non potranno mai trasmettervi.

R.M.

It’s not only Rock’n’Roll, Baby!

Le mie aspettative legate a questa mostra in Triennale Bovisa (Milano) erano molte. Mi incuriosiva parecchio l'idea di vedere come dei grandi artisti del rock hanno provato ad esprimersi anche attraverso il pennello, la fotografia o il collage. Gli artisti esposti sono dodici: Alan Vega, Andy (dei Blue Vertigo, l'unico italiano), Antony (Antony and the Johnsons), Bianca Casady (CocoRosie), Chicks on Speed, Devendra Banhart, Fischerspooner, Kyle Field, Patti Smith, Pete Doherty, The Kills, Herman Dune. 

Prima di entrare ci è stato dato un foglio a4 con l'elenco numerato delle opere esposte, con giusto un paio di informazioni circa la loro dimensione e la tecnica di realizzazione, ed un altro piccolo depliant con qualche riga introduttiva alla biografia degli artisti. All'inizio della mostra c'è un breve riquadro introduttivo su quello che si andrà a vedere, poi nulla per tutto il resto dello spazio espositivo. In ogni stanza, infatti, sono presenti solamente le opere, esposte per la maggior parte in ordine molto lineare. Sotto di loro soltanto un numero, che trova corrispondenza nel foglio sopraccitato; foglio che tra le altre cose non rispetta l'ordine di comparizione delle opere, quindi si deve stare molto attenti a quel diavolo di numerino messo lì sotto (molto pratico devo dire!). L'ultima stanza dell'esposizione è poi dedicata alle interviste fatte dal curatore della mostra (Jérôme Sans) a tutti gli artisti. Ora, visto che queste interviste sarebbero state perfette per introdurre i vari artisti volta per volta, non era forse meglio usarle proprio a questo scopo? Sono pronta a scommettere che il 70% delle persone, arrivate a quella stanza, perde la pazienza di leggere dopo due, massimo tre interviste. E come non capirli, ormai sono fuori contesto e mettendole così tutte insieme non vengono apprezzate/capite.


A mio parere si tratta quindi di un'esposizione organizzata davvero male.

Tanto per cominciare perchè è troppo confusionaria, cosa costava mettere la classica etichetta sotto al quadro anzichè fare un inutile e incasinato foglio a4? In questo modo, oltre a sprecare inutilmente della carta, si distrae moltissimo colui che guarda perchè anche solo per sapere il titolo dell'opera deve mettersi lì e cercarlo sul foglio. Non è per niente immediato, e francamente lo trovo proprio inutile. 


In secondo luogo penso che chi va ad una mostra d'arte voglia imparare qualcosa. E come può farlo se nessuno gli dà delle informazioni in più? Sappiamo benissimo tutti che l'arte non è riassumibile in poche parole, però mettendo delle didascalie un minimo introduttive, se non al singolo quadro almeno all'autore, è sicuro che si offrono degli spunti di riflessione. Se poi ad una persona interessa, allora prende e si studia l'argomento per conto suo (proprio per questo ritengo che le interviste sarebbe stato meglio metterle passo passo un po' alla volta, ed in relazione a quello che trattavano). Anche perchè qui si trattava di una mostra molto particolare. Se devo andare ad una mostra su di un artista specifico, oppure su un movimento artistico preciso, allora è molto probabile che prima leggerò qualcosa, mi documenterò minimamente sull'argomento. Ma in una situazione come questa è pressochè impossibile farlo. Si tratta di dodici artisti, conosciuti dai più solamente dal punto di vista musicale. A parer mio si sarebbero quindi dovute sprecare due parole in più per permettere al fruitore di apprendere realmente qualcosa, anche perchè si trattava per la maggior parte dei casi di arte concettuale. 


Io sento che oggi il mio bagaglio culturale si è arricchito veramente poco, perchè ho apprezzato molto Andy dei Bluvertigo, che non conoscevo in questa veste, però per il resto è stato davvero difficile entrare in contatto con l'opera e capirne qualcosa.

Andy. True Blue. Acrilicofluo su tela

Quello che credo io è che una mostra debba avvicinare la gente all'arte, debba invogliare le persone a frequentare i luoghi di cultura e in questo caso secondo me la Triennale ha fallito in pieno. Ho percepito questa esposizione come qualcosa di molto elitario e dedicato solo a una certa nicchia di pubblico. Parlando proprio di questo con chi mi ha accompagnato nella visita, è venuta fuori una somiglianza con la filosofia che trovo geniale. Ci sono alcuni filosofi che sembra quasi che non vogliano essere capiti, perchè usano un linguaggio contorto e molto complesso .. lo stesso funziona per le esposizioni come questa, sembra che l'arte in questi casi non voglia essere spiegata, non voglia essere capita. 


Naturalmente tutto ciò che ho scritto è molto personale, quindi chiunque non condivida può benissimo commentare e dire la sua. Mi piace lo scambio di opinioni, sempre e comunque :)

R.M.

Pan Yuliang - Buona Giada

L'idea di scrivere questo post mi è venuta mentre leggevo un libro: La pittrice di Shangai, di Jennifer Cody Epstein. Con un linguaggio molto naturale e coinvolgente, nonostante l'uso della terza persona, l'autrice ripercorre le tappe fondamentali della vita di Pan Yuliang (1899-1977).

Si tratta della storia vera di una pittrice cinese che, prima di avere successo, ha avuto una vita davvero difficile. All'età di soli quattordici anni viene comprata da una casa di piacere ed è costretta a vendere il suo corpo, non dimentica però nemmeno una parola delle tanto amate poesie di Li Qingzhao e non permette a niente e nessuno di scalfire la sua passione per la pittura. Dopo qualche tempo Pan Yuliang (letteralmente: Buona Giada) ha la fortuna di incontrareun uomo che la apprezza per questa sua continua voglia di imparare e che la "compra", in realtà per darle la libertà. Grazie a lui la ragazza impara a leggere e scrivere correttamente, più avanti riuscirà anche a frequentare la scuola di pittura, generalmente riservata agli uomini. Con grande determinazione e testardaggine, la pittrice riesce a guadagnarsi la stima e l'approvazione di compagni e professori, vincendo anche vari premi e borse di studio all'estero. Nel 1937 si trasferirà poi definitivamente a Parigi, dove resterà fino alla morte.

La particolarità di questa artista sta proprio nei soggetti dei suoi dipinti: i nudi. Spesso ritrae addirittura se stessa completamente nuda. Tenendo in considerazione l'epoca in cui tutto ciò avveniva, la sua scelta non può che stupire, all'artista non sono infatti mancati problemi con galleristi e critici d'arte, ma ha saputo affrontare tutti quanti a testa alta ed ha anche riscattato il suo nome dal passato infelice. Si tratta senza dubbio di una donna molto coraggiosa e determinata, basti pensare al fatto che dopo essere uscita dalla casa di piacere in cui ha vissuto non ha più voluto cambiare il suo nome: ha tenuto il suo nome da prostituta nonostante tutto. Visto il suo passato poco nobile, poi, quella di dipingere nudi fin dai suoi esordi è una scelta molto importante, anche perchè molti sapevano che era stata una prostituta e molto probabilmente collegavano questa scelta al fatto che lei fosse una poco di buono. 

Questa donna quindi è meritevole di lodi ed ammirazione vista la tenacia con cui ha saputo difendere le sue passioni, riuscendo anche in situazioni avverse a sollevare la testa e andare sempre avanti. Consiglio vivamente a tutti di leggere la sua storia, perchè ci sono moltissimi spunti di riflessione che meritano un po' del nostro tempo.

R.M.

Benvenuti ...

Ho sempre avuto difficoltà a scrivere l'inizio e la fine dei temi a scuola, ed ecco che questo piccolo intoppo si fa sentire anche qui. Oltretutto è anche parecchio che non scrivo nulla. Per rompere il ghiaccio con voi e con la scrittura, dunque, inizieremo con un breve biglietto da visita di questo modesto spazio ... 

Mi piace molto l'idea di approfondire sempre di più la conoscenza del mondo artistico, contemporaneo e non. Questo blog sarà il mezzo con cui vorrei rendere tutti partecipi della mia passione.

Uno dei miei artisti preferiti è Salvador Dalì e "Rosa Meditativa" è un suo dipinto. Ho scelto di usare questa citazione sia perchè l'opera è molto bella, sia per tutta un'altra serie di significati più personali, come ad esempio la connotazione fortemente femminile di questo fiore in Dalì.

Credo che non serva sapere nulla di più.

Inizieremo subito ad entrare nell'argomento con il prossimo post. A presto, dunque!

R.M.